Американський художник. 7 майстрів, що здивували світ

Американські художники дуже різношерсті. Хтось був явним космополітом, як Сарджент. За походженням американець, але майже все свідоме життя прожив у Лондоні та Парижі.

Є серед них і автентичні американці, які зображували життя лише своїх співвітчизників, як Роквелл.

А є і зовсім художники не від цього світу, як Поллок. Або ті, чиє мистецтво стало продуктом суспільства споживання. Це, звичайно, про Уорхол.

Проте всі вони американці. Волелюбні, зухвалі, яскраві. Про сім із них читайте нижче.

1. Джеймс Вістлер (1834-1903 рр.)

Вістлера важко назвати справжнім американцем. Подорослішавши, він жив у Європі. А дитинство взагалі провів … у Росії. Його батько будував залізницю у Петербурзі.

Саме там хлопчик Джеймс і полюбив мистецтво, відвідуючи Ермітаж і Петергоф завдяки батьківським зв'язкам (тоді це були закриті для публіки палаци).

Чим знаменитий Вістлер? У якому б стилі він не писав, від реалізму до тоналізму, його майже відразу можна дізнатися за двома ознаками. Незвичайні кольори та музичні назви.

Частина його портретів – це наслідування старих майстрів. Як, наприклад, його знаменитий портрет Мати художника.

Художник створив дивовижну роботу, використовуючи кольори від світло-сірого до темно-сірого. І трохи жовтого.

Але це не означає, що Вістлер любив такі кольори. Він був людиною неординарною. Легко міг з'явитися в суспільстві в жовтих шкарпетках та з яскравою парасолькою. І це тоді, коли чоловіки одягалися виключно у чорне та сіре.

Є в нього і набагато світліші роботи, ніж Мати. Наприклад, «Симфонія у білому». Так картину назвав один із журналістів на виставці. Вістлер ця ідея сподобалася. З того часу майже всі свої роботи він називав по-музичному.

Але тоді, 1862 року, «Симфонія» публіці не сподобалася. Знову ж таки, через своєрідні колірні рішення Вістлера. Людям здавалося дивним писати жінку в білому на білому тлі.

На картині бачимо рудоволосу коханку Вістлера. Цілком на кшталт прерафаелітів. Адже тоді митець дружив з одним із головних основоположників прерафаелізму, Габріелем Россетті. Красуня, лілії, незвичайні елементи (шкіра вовка). Все як годиться.

Але Вістлер швидко відійшов від прерафаелізму. Тому що йому була важлива не зовнішня краса, а настрій та емоції. І він створив новий напрямок – тоналізм.

Його пейзажі-ноктюрні у стилі тоналізму і справді схожі музику. Монохромні, тягучі.

Сам Вістлер говорив, що музичні назви допомагають фокусуватися на самому живописі, лініях та кольорі. При цьому не думаючи про місце та людей, які зображені.

Тоналізм, як і близький йому імпресіонізм, У середині 19 століття публіку теж вражав. Занадто далеко від популярного на той момент реалізму.

Але Вістлер встигне дочекатися зізнання. Наприкінці життя його роботи почнуть охоче купувати.

2. Мері Кассат (1844-1926 рр.)

Мері Кассат народилася у багатій сім'ї. Вона могла безтурботно прожити все життя. Вийти заміж та народити дітей. Але вона вибрала інший шлях. Давши собі обітницю безшлюбності заради малярських занять.

Вона дружила з Едгаром Дега. Потрапивши у середу імпресіоністів, назавжди захопилася цим напрямком. І її «Дівчинка у синьому кріслі» – перша імпресіоністська робота, яку побачила публіка.

Але картина особливо нікому не сподобалася. У 19 столітті дітей зображували у вигляді янголят, що слухняно сидять, з накрученими локонами і рожевими щічками. А тут дитина, якій явно нудно, сидить у дуже невимушеній позі.

Але саме Мері Кассат, яка ніколи не мала своїх дітей, чи не першою почала їх зображати природними, які вони є.

На той час Кассат мав серйозний «недолік». Вона була жінкою. Вона не могла дозволити собі піти самій у парк писати з натури. Тим паче піти у кафе, де збиралися інші художники. Суцільно чоловіки! Що їй лишалося?

Писати монотонні жіночі чаювання у вітальні з мармуровими камінами та дорогими чайними сервізами. Життя розмірене і нескінченно нудне.

Мері Кассат так і не дочекалася зізнання. Спочатку її відкидали за її імпресіонізм та нібито незакінченість картин. Потім, вже у 20 столітті, вона різко «застаріла», оскільки у моді був ар-нуво (Клімт) та фовізм (Матісс).

Але вона залишилася вірною своєму стилю до кінця. Імпресіонізм. М'який пастель. Матері із дітьми.

Заради живопису Кассат відмовилася від материнства. Але її жіночий початок все частіше виявлявся саме в таких ніжних роботах, як «Спляча дитина». Жаль, що консервативне суспільство поставило її колись перед таким вибором.

3. Джон Сарджент (1856-1925 рр.)

Джон Сарджент був певен, що все життя буде портретистом. Кар'єра складалася успішно. Аристократи вишиковувалися в чергу, щоб зробити йому замовлення.

Але одного разу художник на думку суспільства переступив межу. Нам зараз складно зрозуміти, що такого неприпустимого в картині «Мадам Ікс».

Правда в початковій версії у героїні була опущена одна з брител. Сарджент її «підняв», але це не допомогло. Замовлення зійшли нанівець.

Що ж непристойного побачила публіка? А те, що Сарджент зобразив модель у надто самовпевненій позі. Та ще напівпрозора шкіра та рожеве вушко дуже промовисті.

Картина ніби каже, що ця жінка з підвищеною сексуальністю не проти приймати залицяння інших чоловіків. Притому будучи одруженою.

На жаль, за цим скандалом сучасники не розгледіли шедеврів. Темна сукня, світла шкіра, динамічна поза – просте поєднання, яке дано знайти лише найталановитішим майстрам.

Але немає лиха без добра. Сарджент отримав натомість свободу. Почав більше експериментувати з імпресіонізмом. Писати дітей у безпосередніх ситуаціях. Так з'явилася робота «Гвоздика, лілія, лілія, троянда».

Сарджент хотів зловити певний момент сутінків. Тому працював лише 2 хвилини на день, коли освітлення було відповідним. Працював влітку та восени. А коли квіти зав'яли, замінив їх на штучні.

В останні десятиліття Сарджент так увійшов у смак свободи, що взагалі почав відмовлятися від портретів. Хоча репутація його відновилася. Одну клієнтку він навіть грубо відшив, сказавши, що з великим задоволенням напише її хвіртку, ніж її обличчя.

Сучасники ставилися до Сарджента з іронією. Вважаючи його застарілим у час модернізму. Але час розставив усе на свої місця.

Зараз його роботи коштують не менше, ніж роботи найславетніших модерністів. Ну а вже про кохання публіки і говорити нічого. На виставках із його роботами завжди аншлаг.

4. Норман Роквелл (1894-1978 рр.)

Складно уявити більш популярного художника за життя, ніж Норман Роквелл. Декілька поколінь американців виросло на його ілюстраціях. Люблячи їх усією душею.

Адже Роквелл зображував звичайних американців. Але при цьому показуючи їхнє життя з найпозитивнішого боку. Роквелл не хотів показувати ні злих батьків, ні байдужих матерів. Та й нещасних дітей ви не зустрінете.

Його роботи сповнені гумору, соковитих кольорів і дуже вміло схоплених із життя виразів облич.

Але це ілюзія, що роботи давалися Роквеллу легко. Щоб створити одну картину, він міг спочатку зробити до сотні фотографій зі своїми моделями, щоб уловити вірні жести.

Роботи Роквелла надавали колосальний вплив на уми мільйонів американців. Адже часто висловлювався з допомогою своїх картин.

Під час Другої світової війни він вирішив показати, за що борються солдати його країни. Створивши навіть картину «Свобода від потреби». У вигляді дня подяки, де всі члени сім'ї, ситі і задоволені, радіють сімейному святу.

Через 50 років роботи в Saturday Evening Post Роквелл пішов у більш демократичний журнал «Look», де зміг висловлювати свої позиції щодо соціальних проблем.

Найяскравіша робота тих років – «Проблема, з якою ми живемо».

Це реальна історія чорношкірої дівчинки, яка пішла до школи для білих. Оскільки був прийнятий закон про те, що люди (а отже, й навчальні заклади) більше не повинні розділятися за расовою ознакою.

Але гніву обивателів була межі. Дорогою до школи дівчинку охороняла поліція. Ось такий рутинний момент і показав Роквелл.

Якщо хочете дізнатися про життя американців трохи в прикрашеному світлі (який вони самі хотіли його бачити), обов'язково дивіться картини Роквелла.

Мабуть, з усіх представлених у цій статті живописців, Роквелл – щонайменше американський художник.

5. Ендрю Уайєт (1917-2009 рр.)

На відміну від Роквелла, Уайєт не був такий позитивний. Путівник за характером, він не прагнув нічого прикрашати. Навпаки, зображував звичайнісінькі пейзажі і нічим не примітні речі. Просто пшеничне поле, просто дерев'яний будинок. Але вмудрявся навіть у них піддивитися щось магічне.

Найвідоміша його робота – «Світ Христини». Уайєт показав долю однієї жінки, своєї сусідки. Будучи паралізованою з дитинства, вона пересувалась околицями навколо своєї ферми повзком.

Так що нічого романтичного у цій картині немає, як може здатися спочатку. Якщо придивитися, то у жінки болісний скотина. А знаючи, що у героїні паралізовані ноги, розумієш із сумом, наскільки їй далеко до дому.

На перший погляд Уайєт писав найзвичайніше. Ось старе вікно старого будинку. Стара фіранка, яка вже почала перетворюватися на шматки. За вікном темніє ліс.

Але у всьому цьому якась загадковість. Якийсь інший погляд.

Так діти вміють дивитись на світ незашореним поглядом. Так дивиться і Уайєт. І ми разом із ним.

Усіми справами Уайета займалася його дружина. Вона була добрим організатором. Саме вона контактувала з музеями та колекціонерами.

Романтики в їхніх стосунках мало. Муза мала з'явитися. І їй стала проста, але з неординарною зовнішністю Хельга. Саме її ми зустрічаємо на численних роботах.

Здавалося б, ми бачимо лише фотографічне зображення жінки. Але чомусь від неї важко відірватися. Занадто складний погляд, напружені плечі. Ми ніби разом із нею внутрішньо напружуємося. Силячись знайти пояснення цієї напруги.

Зображуючи дійсність у всіх деталях, Уайєт чарівним чином наділяв її емоціями, які можуть залишити байдужими.

Художника довго не визнавали. Зі своїм реалізмом, хай і магічним, він ніяк не вписувався в модерністські тренди 20 століття.

Коли музейники купували його роботи, то намагалися це робити тихо, не привертаючи уваги. Виставки його організовували рідко. Але на заздрість модерністам вони завжди мали шалений успіх. Люди приходили натовпом. І досі приходять.

Про художника читайте також зі статті «Світ Христини. Головний шедевр Ендрю Уайєта».

6. Джексон Поллок (1912-1956 рр.)

Джексона Поллока неможливо оминути. Він перейшов певну межу в мистецтві, після чого живопис не міг бути колишнім. Він показав, що мистецтво взагалі можна обійтися без кордонів. Коли поклав полотно на підлогу і забризкало його фарбою.

А почав цей американський художник з абстракціонізму, в якому все ж таки простежувалося фігуративне. У його роботі 40-х років «Стенографічна фігура» бачимо контури і обличчя, і рук. І навіть зрозумілі нам символи у вигляді хрестиків та нуліків.

Його роботи хвалили, але купувати не поспішали. Він був бідний, як церковна миша. І безбожно пив. Попри щасливий шлюб. Його дружина схилялася перед його талантом та робила все для успіху чоловіка.

Але Поллок спочатку був особистістю надламаною. З самої юності за його вчинками було зрозуміло, що рання смерть – його спадок.

Ця надламаність в результаті і призведе до смерті в 44 роки. Але він встигне здійснити революцію у мистецтві та прославитися.

А вийшло це в період дворічної тверезості. Він зміг плідно працювати у 1950-1952 роках. Він довго експериментував, доки не прийшов до крапельної техніки.

Розкладаючи величезне полотно на підлозі свого сараю, він ходив навколо нього, перебуваючи наче в самій картині. І розбризкував чи просто лив фарбу.

Ці незвичайні картини в нього почали охоче купувати за неймовірну оригінальність та новизну.

Поллок був приголомшений славою і провалився в депресію, не розуміючи, куди йому рухатися далі. Смертельна суміш алкоголю та депресії не залишила йому шансів на виживання. Якось він сів за кермо сильно п'яним. В останній раз.

7. Енді Ворхол (1928-1987 рр.)

Тільки в країні з таким культом споживання, як в Америці, народився поп-арт. І головним його основоположником був, звичайно, Енді Ворхол.

Прославився він тим, що брав найзвичайніші речі і перетворював їх на витвір мистецтва. Так сталося з банкою супу Кемпбелл.

Вибір був не випадковий. Мати Уорхола годувала сина щодня таким супом понад 20 років. Навіть коли він переїхав до Нью-Йорка і взяв свою матір із собою.

Після цього експерименту Уорхол захопився трафаретним друком. З того часу він брав зображення поп-зірок і розфарбовував їх у різні кольори.

Так з'явилася його знаменита, прикрашена Мерилін Монро.

Таких Мерилін кислотних квітів було випущено незліченну кількість. Мистецтво Уорхол поставив на потік. Як і належить у суспільстві споживання.

Розмальовані особи придумані Уорхол не на порожньому місці. І знову не обійшлося без впливу матері. У дитинстві під час затяжної хвороби сина вона тягала йому пачками забарвлення.

Це дитяче захоплення переросло в те, що стало його візитною карткою і зробило його надзвичайно багатим.

Він розмальовував не лише поп-зірок, а й шедеври попередників. Дісталося і «Венере» Боттічеллі.

«Венер», як і Мерилін, було зроблено чимало. Ексклюзивність витвору мистецтва «стерта» Уорхолом на порошок. Навіщо художник це робив?

Щоб популяризувати старі шедеври? Чи, навпаки, спробувати їх знецінити? Засмертити поп-зірок? Чи приправити смерть іронією?

Його розфарбовані роботи Мадонни, Елвіса Преслі або Леніна часом більш пізнавані, ніж початкові фото.

А ось шедеври навряд чи вдалося затьмарити. Все одно первозданна Венера залишається безцінною.

Уорхол був затятим тусовщиком, привертаючи себе масу маргіналів. Наркомани, невдалі актори чи просто неврівноважені особи. Одна з яких одного разу вистрілила у нього.

Уорхол вижив. Але через 20 років через наслідки колись перенесеного поранення помер на самоті у своїй квартирі.

Плавильний котел США

Незважаючи на коротку історію американського мистецтва, діапазон вийшов широким. Серед американських художників є і імпресіоністи (Сарджент), і магічні реалісти (Уайєт), і абстрактні експресіоністи (Полок), і початківці поп-арту (Уорхол).

Що ж, американці люблять свободу вибору у всьому. Сотні конфесій. Сотні націй. Сотні напрямів мистецтва. На це він і плавильний котел Сполучених Штатів Америки.

*Тоналізм – монохромні пейзажі сірих, блакитних або коричневих відтінків, коли зображення знаходиться немов у тумані. Тоналізм вважається відгалуженням імпресіонізму, тому що передає враження художника від побаченого.

***

Коментарі інших читачів Дивіться нижче. Вони часто є добрим доповненням до статті. Ще ви можете поділитися своєю думкою про картину та художника, а також поставити запитання автору.

Англомовна версія статті